mostre/exhibitions
Diego Gabriele:
Noli tangere
19 novembre/November 2014 - 18 gennaio/January 2015
Curatorship: Sandro Fracasso
Outfitting: Irene Raspollini
Diego, 33 anni, è un pittore fiorentino e ha all'attivo numerose esposizioni internazionali. Creativo a tutto tondo ha fondato una casa editrice, si occupa di musica e di stampa satirica.
Il non toccare (noli tangere del titolo) che rimbalza tra la tradizione profana e quella sacra ha come radice comune un senso di autotutela, un desiderio di distanza.
Dal punto di vista artistico non è ovviamente un separarsi dal pubblico, che resta il fruitore finale dell'opera, quanto piuttosto segnare un vallo tra l'arte finalizzata al risultato commerciale e quella inevitabile conseguenza del percorso creativo.
Questa intangibilità è quindi garanzia che qualunque sia il prodotto, l'ispirazione è scevra e libera da condizionamenti coatti.
Siccome nessuno è l'origine di se stesso, tutti siamo debitori del passato e di ciò che ci avviene intorno. Questo discorso ha un peso determinante quando si tratta di creatività. Si pensi al mito del fanciullo di William Blake, al tentativo disperato di preservare il legame che vincola ognuno di noi a quei brevi anni di purezza che l'esperienza immancabilmente degrada.
Chi sono le fanciulle di Diego? È una domanda che ne fa seguire altre: Come nascono? Cosa rappresentano?
A ben osservare sembrano sbirciarci dalle pareti con sguardi mai diretti e comunque indagatori. Nel percorso temporale che parte dalle prime in esposizione(datate 2007-2008), si nota come i percettibili riferimenti alla tradizione fumettistica, con una attenta ricerca di perfezione stilistica e narcisismo, col tempo vadano scemando. Le opere successive (2009-2014) sono collocate storicamente nei primi decenni di inizio Novecento. Quegli anni di ingegno e profonda rivoluzione trasudano di seduzione e di sfida alle retroguardie della morale vittoriana e più in generale al senso del peccato. I riferimenti a Egon Schiele in questi lavori di Diego Gabriele sono evidenti.
Il periodo in cui sono state realizzate corrisponde all'attuale crisi economica e al conseguente crollo dello stato sociale. I segni profondi che iniziano ad apparire sui volti delle ragazze ne sono una chiara testimonianza. La pelle liscia e lucente si fa sempre più cupa, i contorni occhio diventano grinzosi e sofferenti. I soggetti sono sempre adolescenti, ma esibiscono addosso tutto il dolore e la violenza della fase che stiamo attraversando. Questa sorta di ritratto di Dorian Gray implementato, in cui l'opera mostra assieme la giovinezza e la corruzione dell'esperienza, confermano l'intuizione del forte legame con Blake.
Il curatore: Sandro Fracasso
ENG
Diego is a 33 years old florentinian painter who exhibited his works in many solo and collective national and international shows. His multi-level talent led him to be also the founder of a publishing house, a musician and a satyrist.
“Don't touch”(noli tangere in latin) is an imperative found both in sacred, than in profane traditions, showing the common root of a self safeguard sense and a desired distance.
From an artistic point of view, this doesn't obviously mean to become separate from the public, which remains the final recipient of the artworks, rather to mark a gap between the art realized following the market rules and the one born as an inevitable consequence of the creative process.
This intangibility is the proof that, whatever it is the product, the inspiration which was behind it was free from influences and compulsions.
Of course, no one is his own origins: everyone owes something to the past and to the context he lives in. This is a fundamental matter, speaking about creativity: think on William Blake's Child mith and the desperate try to preserve the link which compels us to live a few years in purity and the rest of our life watching how the experience causes its decay.
Who are Diego's girls? That is a question which leads to other ones: how do they born? What do they represent?
They seem to peep us with their indirect and inquiring glazes. If we watch the exhibited paintings from the earlier ones (2007-2008), we can notice how the references to comic style more and more vanish, with an accurate and narcissistic research of a sylistic perfection. Later works(2009-2014)are inspired by the first decades of XXth Century. That years, where intelligence and revolution were the key words, were fulfilled of sensuality and were characterized by the constant struggle against the common sense of sin and the Victorian moral rearguards. In this sense, Diego's works references to Egon Schiele are evident.
The period in which the exhibited paintings have been realized correnspond to the present economic crisis and the consequent collapse of welfare. The deep signs drawn on the girls faces are the statement of it. Their smooth and glittery skin become more and more dark, the eyes become wrinkly and suffering. The depicted subjects are all teenagers, but show in their bodies all the pain and the violence we live nowadays. This sort of implemented Dorian Gray's portrait, in which the artwork shows both the youth and its decay made by the experience, confirms the intuition of a strong connection with Blake work.
The curator: Sandro Fracasso
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DIEGO GABRIELE
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Don Manuel Bueno Martire:
Siamo qui solo per i soldi/ We're only in it for the money
15 Ottobre/October - 15 Novembre/November 2014
Curatorship: Sandro Fracasso
Outfitting: Irene Raspollini
ITA
Diego 29 anni, bresciano trapiantato a Siena, spicca in tutto ciò che fa: pittura, scrittura, regia. Non potendolo esporre, esponiamo le sue opere. We're only in it for the money (1968) è il titolo di uno degli album più dissacranti di Frank Zappa and the Mothers. Musicista creativo, Zappa non perse l'occasione di trattare con sarcasmo vari aspetti della cultura americana di fine Sessanta. Si parla già di consumismo, diffusione massiccia di droghe rimbecillenti e manipolazione dei movimenti di protesta. Il titolo è rivolto direttamente ai Beatles, che con Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band (1967) avevano strizzato l'occhio al flower power dilagante per mera questioni di soldi.
D'altro canto lo stesso Zappa non si fece scappare l'occasione di trattare quei temi “caldi” non tanto per questioni di tornaconto economico, quanto più per cassa di risonanza mediatica. Il tutto avvenne quarantasei anni fa, in piena cultura pop. Quel periodo è stato ed è oggetto di mitizzazioni e mistificazioni, ma a ben guardarlo non è così differente da quello in cui viviamo. Lo strapotere di chi ha, o ha avuto un lavoro, su chi non lo avrà mai. Lo sfruttamento dei grandi numeri di disperati per conservare inalterato il benessere acquisito delle minoranze privilegiate. Veniamo a Diego Perucci. Le sue opere si rifanno in modo evidente alla Op Art americana. Lo stile preciso e ripetuto unito agli elementi sognanti e ai tratti psichedelici contribuiscono a definire un insieme che combina il sogno alla razionalità geometrica. Nelle opere a inchiostro, l'assenza di colore aumenta la percezione dello scheletro, frutto di un'attenta riflessione spaziale. Il vuoto è parte integrante dell'opera di Diego Perucci, ribadendo così profondamente la sua anima anni Sessanta. Siamo qui solo per i soldi. Quali? L'arte underground fatica a vendere; in molte case private si vedono appesi quadri privi di originalità, o peggio stampe che riproducono capolavori. La cosa assurda è che spesso sono acquistate a prezzi ben più alti di un originale di giovani artisti. Quindi sì, l'arte underground può essere anche elemento di ripresa economica e di gratificazione per l'artista, fuori dalle logiche vessatorie dei circuiti commerciali dell'arte tradizionale. C'è ed è chiaro anche un senso metaforico. Indipendentemente dal successo di vendita, critica, pubblico, l'arte c'è, resiste. Quindi il titolo può essere riletto in chiave ironica: per quanto vi ostiniate a finanziare ciò che è scarsamente originale, o peggio privo di alcun valore estetico, noi siamo qui, con le nostre idee e i nostri progetti, a sfidare l'onda mefitica della banalità.
Il Curatore: Sandro Fracasso
ENG
Diego is 29 years old, he comes from Brescia and he lives in Siena. He's on top on everything he does: painting, writing, direction. We cannot exhibit him in person, so we decide to show his works. We're only in it for the money (1968) is the title of one of Frank Zappa and the Mothers most iconoclastic albums. This amazingly creative musician didn't loose the occasion to be sarcastic with some of the most hypocrite aspects of Sixties american culture. Many reflections and discussions were already made about consumerism, massive spreading of dopes and manipulation of protest movements. The album title refers directly to the Beatles, who realized Sgt. Pepper's Lonely Heart Club Band (1967)following some popular flower power culture trends only for gaining success and earnings. It has to be said that Zappa itself did the same thing, but only to have a broader audience and media attention.
All these things happened 46 years ago, when pop culture was at its best. That period has been hugely idealized and mystified; nevertheless, it can be considered not so different from nowadays: people who have (or had) a job use their power against people who will never get it; the poors exploitment continues to grant privileges and wealthy to the upper classes.
Diego Perucci is clearly inspired by American Op Art. The precise style and the repeted geometries are used toghether with psychedelic and fantastic elements, realizing a perfect mix of dreams and rationality. In his ink artworks, the lack of colours makes us feel the artwork skeleton, which has been realized after a deep spatial reflection. The void is one of the primary elements in Diego Perucci artworks, so deeply influenced by the Sixties art. We're only in it for the money. Which money? Underground art is hard to sell; nevertheless, houses host frequently on their walls many banal paintings, or worse, many lo-fi prints of famous paintings, which cost is substantially higher of an underground artist works. Can underground art be an economic resource and a gratification for artists? Of course yes, especially outside the traditional art market who burden them.
This exhibition has also a metaphoric, deeper meaning: profit or not, art stands and resists. That's why the title can be read also with an ironical eye: even if you continue to invest in something banal or lacking any esthetical value, we are here, with ours ideas and projects, ready to challenge the sewer wave of triviality.
The curator: Sandro Fracasso
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DON MANUEL BUENO MARTIRE
e-mail: peruccidiego@gmail.com
FB: https://www.facebook.com/pages/Don-Manuel-Bueno-Martire/366313916730814?ref=hl
Paola Ressa:
Tamburi di latta/Tin drums
15 Settembre/September - 15 Ottobre/October 2014
Curatorship: Sandro Fracasso
Outfitting: Irene Raspollini
ITA
Partiamo da Paola, fotografa, ha 25 anni, è tarantina, vive e lavora a Firenze. Rappresenta un esempio lampante di come si possa essere giovani e dotati. In quella “e” che unisce le due parole sta molto di ciò in cui crediamo. In frasi simili troverete altrove spesso un “ma”. Come se per primo il pubblico andasse rassicurato del fatto che qualcuno possa essere in gamba già a vent'anni.
Da nessuna delle singole foto esposte in questa mostra emerge direttamente la causa del dolore diffuso che di fatto la permea. È però chiaro dal risultato finale quale ne sia l'origine. Viene in aiuto la metafora del giallo in cui le singole pagine fino alla fine contribuiscono, ma non svelano, tranne l'ultima, il colpevole.
L'idea per il titolo mi è venuta dal libro del 1959 di Günter Grass: Il tamburo di latta. Non è solo una semplice assonanza giocata sul nome del quartiere di Taranto Tamburi e sulla ricca produzione di derivati di acciaio della città. Come Oskar, il protagonista del libro, indirettamente è responsabile della fine di alcuni dei più profondi tra i suoi legami, così avviene in questa moderna storia italiana. Il parallelo tra i due titoli si spinge oltre: Oskar decide di seppellire il proprio Tamburo quando ha un equilibrio stabile, quando lo circondano solo persone che ama e lo amano. Lo fa per dimenticare, per non ferire più, ma lo fa anche per ricominciare a crescere.
È fondamentale il fatto che seppellisca il tamburo e non le persone che ha ucciso. Nel decidere di superare il passato deve eliminare la causa che lo lega a quei crimini, che gli impedisce di andare avanti.
La mostra si fonde armonicamente tra l'audio tratto dalle interviste fatte da Paola stessa, spezzoni dai cortei, e le foto. Queste ultime si dividono in due filoni: quelle che rappresentano volti di una espressività disarmante e indirettamente accusatoria e quelle più architettonico industriali, ugualmente efficaci nel mostrare cicatrici profonde. Si esce arrabbiati e con un senso di latente disagio da questa mostra. Mi auguro si trasformi nel desiderio concreto di fare qualcosa per seppellire il tamburo.
Il Curatore: Sandro Fracasso
ENG
Let's start from Paola, a 25 years old photographer from Taranto who lives and works in Florence: she represents a perfect example of how it could happen to be young and talented at the same time. In that "and" lies much of what we believe in. In similar sentences, it is frequently substituted by the word "but", as if the recipients first should be reassured about the concrete possibility for a twentysomething to be gifted.
The displayed photos give us a very few hints about the reason of the ubiquitous sorrow we can feel in every shot; nevertheles, the project in its entirety shows clearly what is its origin. It can be compared to a detective story, in which single pages characterize, but don't reveal, except for the last one, the guilty.
The original idea for the exhibition title comes from the Günter Grass 1959 novel "The tin drum". It is not a simple connection between the name of Taranto's depicted district, Tamburi ("drums") and the huge steel industry settled on the town. Oskar, Grass' book protagonist, is indirectly responsible of the end of some of his most deep relationships; the same happens in this contempory Italian story. The link between the exhibition title and the book go even farer: Oskar decides to bury his tin drum when he reach his mental balance and is surrounded only by people who love him. He bury the drum so that he could forget the past and never hurt people again, but also to finally grow up.
It is fundamental for him to bury the drum and not the people he killed: he can go over his past only by eliminating the primary link to that crimes. The exhibition melts photos with Paola's audio interviews to Taranto people and field recordings from citizens demonstrations. The photos can be divided in two parts: from one side the Taranto people portraits, with their accusingly and disarmingly expressiveness; from the other side, the industrial and architectonic landscapes, so effective in showing how the town was so deeply hurted by an invasive and polluting industry. This exhibition makes us feel angry and uncomfortable; I hope that these feelings will transform themselves in the concrete desire to bury the drum.
The curator
Sandro Fracasso
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Paola Ressa
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Adriano Benocci, Don Manuel Bueno Martire, Diego Gabriele, Gaia Inglesi, Giulia Pesarin, Irene Raspollini, Paola Ressa, Valentina Sanesi, Stefano Urban:
Paris, Rue Saint Jacques 198
13 Settembre/September
Curatorship: Sandro Fracasso
Outfitting: Martina Marolda (Casa Là Farm Gallery Paris Art Director)
ITA
La mail art ha radici antiche e celebrate. Nel tempo, in moltissimi si sono cimentati con l'idea di spedire opere che non torneranno, che potrebbero persino non arrivare. Chi si chiede perché, di certo non è animato da spirito artistico, creare un'opera è perderla, è lasciarla andare altrove e contemporaneamente far posto per l'ossessione successiva. A Casa Là farm gallery cerchiamo sempre di realizzare progetti anche in nome dell'originalità, o almeno dell'inconsuetudine: non è questo il caso. Stavolta ci anima solo il desiderio di rischiare i nostri lavori, di mostrarli a pochi amanti dell'arte (uno spettatore per ogni opera esposta), selezionati con cura da Martina Marolda (Art Director di Casa Là Farm Gallery Paris). La mostra è stata allestita da Martina sabato 13 Settembre 2014 e le opere sono state visitabili solo su invito e solo per quella notte. All'alba di domenica era già tutto finito.
Il curatore
Sandro Fracasso
ENG
Mail art has ancient and celebrated roots. Many artists decided to send their works, even knowing that they wouldn't come back, or that they could get lost. He who's wondering why an artist should do so, certainly hasn't a genuine artistic spirit: to create an artwork is to lost it and leave it go away, while another obsession take its place. In Casa Là Farm Gallery we usually try to realize original or unusual projects: in this case, we didn't. This time we wanted only to risk our artworks, showing them only to few people (one visitor for every exhibited artwork), carefully selected by Martina Marolda (Casa Là Farm Gallery Paris Art Director). Martina outfitted the artworks on Saturday, the 13th September 2014, and the exhibition was enjoyed only by her guests and only for that night. On Sunday dawn, it was all over.
The curator
Sandro Fracasso
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ADRIANO BENOCCI
e-mail: adriano.benocci@gmail.com
web: adrianobenocci.blogspot.com
DON MANUEL BUENO MARTIRE
e-mail: peruccidiego@gmail.com
FB: https://www.facebook.com/pages/Don-Manuel-Bueno-Martire/366313916730814?ref=hl
DIEGO GABRIELE
e-mail: peruccidiego@gmail.com
web: http://www.diegogabriele.it/
GAIA INGLESI
e-mail: gaia.inglesi@libero.it
web: http://gaiaummagumma.blogspot.it/
GIULIA PESARIN
Web: PhotoVOGUE: http://www.vogue.it/photovogue/Profilo/1761aff6-f277-
4db6-be58-103b11cdbe5f/User
Saatchi Art: http://www.saatchiart.com/AiluigHoliday
Galerie Sakura: http://www.galerie-
sakura.com/ficheproduit.php?&photography_ID=595
IRENE RASPOLLINI
e-mail: irene.raspollini@gmail.com
web: http://ireneraspollini.wix.com/irene-raspollini-art
http://www.saatchiart.com/ireneraspollini
http://www.vogue.it/photovogue/Portfolio/f15c1d8a-
dd5b-41a1-8c66-dcbbbb8ba306/Image
FB: https://www.facebook.com/ireneraspollinifineart
PAOLA RESSA
e-mail: paolaressa@libero.it
VALENTINA SANESI
web: http://www.valentinasanesi.info/
STEFANO URBAN
e-mail: stefano_urban@hotmail.it
Irene Raspollini:
Innesti/Grafts
06 Giugno/June - 31 Agosto/August 2014
Curation and outfitting: Sandro Fracasso
ITA
Prima di immergersi nell'estate c'è ancora tempo per una mostra. Questa personale di Irene Raspollini è un atto di accusa e un invito all'osservazione della natura, che scatena al contempo sensazioni di piacere e di dolore. Le sue donne dagli ovali perfetti e dalle bellezze ammalianti sono turbate da esiziali innesti (le galle della vespa cinese o cinipide galligeno che stanno uccidendo i nostri castagni); neppure la madre che allatta circondata da parole di amore eterno per suo figlio ne è immune, lo stesso poppante è una precoce vittima. Il messaggio è chiaro: se la natura soffre, e lo fanno in silenzio assordante i nostri castagni, anche l'uomo ne risente. Il nostro ipertrofico cervello, che assieme al pollice contrapposto ci ha assegnato un ruolo imprevedibile nella scala evolutiva, non ci salvaguarda dal più vincolante dei legami, quello della catena alimentare. L'invito è a non ignorare, a non voltarsi dinanzi a questo strazio che sta devastando la terra che ha sfamato le nostre famiglie. Le tredici opere saranno visitabili per tutto il mese di giugno presso Casa Là farm gallery (su prenotazione scrivendo a noncresco@gmail.com). La mostra culminerà una domenica pomeriggio di luglio con una esposizione in un castagneto di Scalvaia.
ENG
Innesti (in english grafts) is a project developed by Irene Raspollini to recall attention on the terrible condition of the once beautiful chestnuts around her village: Scalvaia (Siena). The plants are infected by the fatal Cinipide Galligeno, that is silently killing them. Irene wants to focus the attention on the strict relation between people and nature. Her thirteen artworks are made of second hand wood, objects, pictures and clothes; subjects are portraits of attractive young women infected themselves by the deadly parasite. Only one of them is completely healed: a note of hope for nature and mankind. The exhibition is set up at Casa Là farm gallery (till the end of June 2014). In the first sunny afternoon of July, the artworks will be guested by a chestnut wood around the village.
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Irene Raspollini
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Adriano, Don Manuel Bueno Martire, Niccolò Cozzi, Gaia Inglesi,Irene Raspollini:
La retroguardia senese/The Sienese rearguard
05 Aprile/April - 2 Maggio/May 2014
Curator: Sandro Fracasso
Art director: Irene Raspollini
ITA
Una città che può apparire, a uno sguardo distratto, priva di avanguardie e movimenti underground: questo sembra Siena (come molte altre cittadine italiane), incastonata tra un passato ingombrante e un pubblico blasé. Eppure, sotto la scorza, c'è chi si è reso conto che il meraviglioso Dugento compirà tra non molto mille anni: artisti underground, che non possono vivere della loro arte, sebbene ne abbiano notevolmente le potenzialità, una retroguardia che para le terga a un sistema vuoto, lontana da tutto, perché il tutto la rifiuta e quando le si avvicina lo fa per sfruttarla e per cercare di minarne una minima possibilità di realizzazione economica individuale. Con questa mostra abbiamo voluto uscire da una simile dinamica, tanto dannosa quanto logora.
ENG
A town that at first sight looks without avant-garde and underground artistic movements, this seems to be Siena (like most of the Italian towns), set between the heavy load of the glorious past and a blasé audience. Nevertheless, under the surface, somebody discovered that the marvellous 13th Century will soon be a thousand year old: underground artists who cannot live on their own art, even if valuable, a real rearguard, that covers the back of the empty contemporary artistic system. They live in isolation because the community is refusing their existence, worse than this, who approaches them is only moved by the more advantageous intents. With this exhibition we want to break this filthy chain.
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Adriano:
Don Manuel Bueno Martire:
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Niccolò Cozzi:
Gaia Inglesi:
Irene Raspollini:
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Irene Raspollini:
No title
01 - 31 Marzo/March 2014
Curator: Sandro Fracasso
Art director: Irene Raspollini
ITA
È scomoda lei, e le reti delle definizioni sembrano sempre avere le maglie troppo larghe per definirla. L'artista senese è molto abile nel coniugare l'arte del collage con il disegno e quel tono immortale dell'illustrazione primi decenni del novecento. Lo rielabora e reimpasta come crede e guardandolo si capisce che è così che deve andare. Quella libertà con cui il cane ROMBO molla l'ennesimo processo con uno sguardo tra il dispiaciuto e il vediamo cosa/se mangio oggi. Fidanzate di mostri galanti, citazioni di cinematografie turche al limite del trash: ce n'è per settimane a volersi impegnare in questa personale, che scandaglia una parte meno nota dell'attività dell'artista.
ENG
Not an easy artist indeed: all definitions seem inappropriate for her. The Sienese artist is skilfull in combining collage with drawings and with the immortal style of illustration, expecially the one of the first decades of the last century. She re-elaborate all these elements at her own will and the results honour her work. Freedom for the dog ROMBO, that leaves the nth trial, with a sight of regret and starvation, fiancés of gallant monsters, quotes from turkish B-movies: there's plenty of intuitions and eureka moments in this solo, that exhibits the less famous works by Irene Raspollini.
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Irene Raspollini
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